 |
ДМИТРИЙ ФЕДОРОВ |
e - mail: |
  |
|||
ГЛАВНАЯ ОБО МНЕ УСЛУГИ И ЦЕНЫ ПОРТФОЛИО КОНТАКТЫ |
УСЛУГИ ХУДОЖНИКА И ГРАФИЧЕСКОГО ДИЗАЙНЕРА |
ГРАФИКА |
ЖИВОПИСЬ |
|||||
|
Существует вечная проблема, с которой сталкивается человек, который хочет и пытается с помощью красок запечатлеть свое ощущение Прекрасного. Эта проблема как сделать свое полотно достойным прожить века. Современный человек живет в непрерывно сменяющихся так называемых "культурных трендах". Сегодня популярно одно "направление", завтра другое. Сегодня символизм, поп-арт, контемпорари, завтра инсталляция, постмодернизм или еще какой-нибудь "изм". К сожалению, все это не имеет никакого отношения к Искусству. Это не более чем игра словами и маркетинговые ходы для увеличения продаж. Без подобной "концептуальности" невозможно попадание художника на современный арт-рынок. Художник, который не хочет заниматься подобным "мозготворчеством" из рынка выпадает. Вы не найдете его картин ни в галереях, ни на аукционах. К счастью, из Искусства выпасть нельзя. Артрынку в его ныненшем сотоянии около 100 лет. Это ничтожный срок для Искусства. Поэтому я отбрасываю все требования арт-рынка. Я - художник по призванию. Я совершенствуюсь каждый день и стараюсь сделать каждую работу лучше прежней. Я рисую без намерения влиять на других художников некими "новациями". Скорее наоборот, я - консерватор и полагаю, что в искусстве давно не существует ничего нового. Я согласен с Ренуаром, который сказал: "Я не придумал ничего нового, это просто продолжение искусства 13 века". Я всем сердцем и всей душой воспринимаю наиболее близкие мне заветы мастеров прошлого. Талант, трудолюбие, воображение и тесное общение с культурной традицией помогают мне создавать эмоционально заряженные произведения. Своим творчеством я стараюсь вернуть живописцу статус настоящего Художника, который некоторые современные тенденции мира искусства не хотят признавать, сводя роль творчества к интеллектуальной игре, жонглированию идеями и смыслами, в ущерб чувственно-эмоциональному восприяитию Прекрасного. В своем творчестве я пытаюсь воздействовать на душу зрителя, создавать живопись, в которой «пользуются красками, но пишут чувствами» (Жан Б. Шарден).
Почему акрил, а не масло, оргалит, а не холст?Каждая картина состоит из трех совершенно различных элементов. Если живопись исполнена в дурных условиях и сама в себе содержит источник будущих разрушений, то, конечно, картину не спасут ни хорошая основа, ни прочная грунтовка, и, наоборот, совершенно достаточно недоброкачественности этих двух факторов, чтобы испортить самую прочную живопись. Естественно, основа для картины должна выбираться самая лучшая. НЕБОЛЬШОЙ ЭКСКУРС В ИСТОРИЮ ЖИВОПИСИ ОСНОВА и ГРУНТ. В старину писали по дереву, дубленой коже, мрамору, сланцу, настенной известковой штукатурке, и даже просто по камню, насытив его смолой, которую сперва подогревали, чтобы дать ей возможность глубже проникнуть в основу. Употреблявшиеся для живописи доски были очень толсты и крепки. Историки пишут, что во время осады Родоса солдаты пользовались картинами Апеллеса вместо обеденных столов. В средние века писали преимущественно на дубовых и тополевых досках, склеивая их между собой животным клеем, с которым делался и грунт, или мучным клейстером, смешанным с гипсом или мелом. Употреблялся также клей из творога и извести (казеиновый клей), рецепт которого можно найти в старинных манускриптах. Казеиновый клей очень прочен, замечено, что на совершенно прогнивших старых досках грунт остался в целости, и что даже в местах стыков, упроченных холщовыми лентами, пропитанными казеиновым клеем, дерево, также перекрытое этим клеем, хорошо сохранилось. Приготовление досок для живописи считалось настолько серьезным делом, что, например, правительство Нидерландов нашло нужным монополизировать его и взяло на себя эту заботу: лучшие столяры занимались изготовлением досок из безукоризненного и сухого дерева. Было даже запрещено, под угрозой штрафа, кому бы то ни было писать на досках, изготовленных не в правительственных мастерских. Вот каковы мотивы законодателя, объясняющие эту меру: „Гений художника принадлежит его отечеству. Долг отечества позаботиться насколько возможно о продлении века лучших произведений. Чтобы достигнуть этого, нужно заботиться одинаково обо всех картинах уже потому, что всякий знаменитый художник начинает с неизвестности, или же неизвестен еще по своей скромности, а потому художник, не зная, как будет оценена его картина в будущем, не должен, по небрежности или из экономии, подвергать свою картину риску". Таков был закон, который вызовет улыбку в наше время, — и закон этот строго выполнялся в эпоху расцвета школы голландской живописи. Быть может, ему мы обязаны сохранностью тех чудных образцов живописи, которыми наслаждаемся в наших музеях. Употребление деревянных досок сохранилось в Италии — до Рафаэля включительно, а в Нидерландах значительно дольше — до Рубенса. Время, когда появились первые картины, написанные на свободно натянутом холсте, точно не установлено, но вероятно, что его использовали уже в XV веке прежде всего для удешевления изготовления картин, так как хорошие доски стоили очень дорого. Первоначально картины на холстах выполнялись для украшения второстепенных помещений, спален, дальних покоев дворцов аристократии. В парадных залах, а также в церквях использовались только живопись на досках. Широкое применение холста, как основы для живописи, в Европе относится лишь к XVII веку в связи с увеличением количества заказчиков среди буржуазии и купечества, желавшего украшать свои дома не хуже аристократии, но за меньшие деньги. Поскольку хорошая живопись на загрунтованном холсте издалека не отличима от живописи на доске, но стоит дешевле, художники массово перешли на новую основу - холст. К сожалению, у холста есть ряд значительных недостатков. Самый главный из которых состоит в том, что холст сильно меняет объем в зависимости от температуры воздуха. Тепло и сухо - он натягивается, как барабан, холодно и влажно - он провисает, как тряпка. В результате возникают сильнейшие напряжения в грунте и красочном слое, и как результат - трещины, кракелюры и отслойка красочного слоя. Огромный вред наносят картинам подрамники, не имеющие раздвижных углов, скосов, перекладин и крестовин, подрамники с составными планками, фанерными «косынками» по углам. Последствия хранения картин на таких подрамниках очевидны: деформация холста, сломы и осыпи грунта и красочного слоя. Низкое качество грунтованных холстов в рулонах стало в наше время массовым явлением. Грунтованный холст изначально натянут с волнообразным изгибом нитей, не говоря уже об утолщениях, многочисленных узелках нитей, которые требуют специальной зачистки, а это нарушает клеевой слой и крепость самого холста, что приводит к неравномерному напряжению основы, проклейки и грунта. Именно в напряжённых участках на проклейке и грунте трещины возникают раньше, чем в остальной плоскости. Таким образом грунт свободно пропускает связующие краски на оборотную сторону холста или, наоборот, оказывается почти непроницаемым для связующего краски. Такая поверхность не даёт сцепления грунта с красочным слоем. Я уж не говорю о хрупкости холста, небольшое давление или удар - и у вас вмятина или разрыв, устранить которые стоит немалого времени и денег. Что же касается картона, то качество большинства грунтованных картонов неудовлетворительное. Изначально для их грунтования используются низкосортные рыхлые картоны, которые коробятся во всех направлениях. Грунты впитывают связующее из красок, как губка, красочный слой при этом становится матовым, а связующее проходит на оборотную сторону картона, оставляя пятна. КРАСКА. По происхождению краски на водной основе (темпера) древнее красок на масляной основе (масла). Уже древнегреческие живописцы употребляли темперу в классическую эпоху. В средние века это самая распространенная техника для живописи. В Европе темперой пользовались вплоть до XV века. У нас до сих пор темперой пишут иконы. С конца XV века все усиливается популярность масляной живописи (пришедшей в Италию с севера), которая в XVI веке окончательно вытесняет темперу. В конце XIX века начинается некоторая реабилитация темперы. Вазари называет изобретателем масляной живописи нидерландского живописца Яна ван Эйка - мастера первой половины XV века. Характерно, что итальянские живописцы в течение всего XV века независимо от ван Эйка экспериментируют с маслами и лаками, но настоящее развитие масляная живопись получает в Италии только в конце XV века, когда Антонелло да Мессина привозит в Венецию рецепты нидерландского живописца. Однако в ту эпоху маслами назывались все густые жидкости, извлекаемые холодным способом из растений, не исключая и эфирных масел (эссенций). Итак, единственно, что удалось узнать из всего процесса живописи Ван-Эйка, это только... термин „масло"! Полный перелом происходит в североитальянской живописи в творчестве Джованни Беллини, который использует уроки Антонелло и в сочетании масляных красок с темперой находит стимул для своего глубокого, горячего, насыщенного колорита. А в следующем поколении венецианских живописцев, в мастерских Джорджоне и Тициана, происходит окончательное освобождение масляной живописи от всяких традиций темперы и фрески. При этом масляные краски обладают рядом технических преимуществ, позволяя быстро добиваться нужного эффекта, которого очень трудно достичь темперой. Они позволяют легко создаваать плавные переходы тонов и эффекты освещения и имеют приятный блеск. При этом дефекты масляных красок больше относятся к отдаленному будущему, а не к настоящему: с течением времени масляные краски теряют эластичность, силу связующих веществ, темнеют, желтеют, покрываются трещинами (кракелюры), так как масло твердеет и уменьшается в объеме. Можно сказать, что кракелюры появляются тем раньше, чем гуще живопись, так как различные слои сохнут с различной быстротой. Достаточно пройтись по Лувру, чтобы убедиться, что сохранность картин находится в непосредственной зависимости от используемых материалов. В Лувре с достаточной наглядностью можно сравнить прочность современной живописи и более отдаленных времен. Так, например, в картинах XV века колорит и самые краски лучше сохранились, чем в произведениях XVII века. С приближением к ХХ столетию живопись портится все больше и больше. Кто же виноват в этом? "Только художники, равнодушие которых к сознательному выбору средств их искусства переходит всякие границы". В настоящее время художники вообще мало интересуются материалами своего искусства. Они предоставили целиком заботу приготовления холстов и красок людям, часто ничего общего не имеющим с живописью. Эти ловкие, но вместе с тем невежественные промышленники изобретают лаки, растворители, сиккативы с мудреными названиями, выпускают в продажу весьма опасные продукты для живописи. Они снабжают всем: ящиком для красок, мольбертом, кистями, псевдотехнологиями и даже сюжетами картин. Становится очень трудно отличить дурной материал от хорошего, и часто художники, боясь обмана, впадают в другую крайность, отказываясь пользоваться новыми, но совершенно безопасными для живописи красками. Современный художник, снабженный всем этим, как дилетант, не зная материалов для живописи, отдается своим фантазиям во славу „вечного искусства" и пишет как попало и чем попало, не думая о завтрашнем дне, озабоченный одной мыслью — не отстать от моды и не выпасть из "тренда", чтобы подороже продать свою "продукцию". Не следовать трендам нельзя — пресса не обратит внимания, галеристы поворотят носы, богатые коллекционеры не будут покупать, грант не дадут и т. д. О прочности и качестве нечего заботиться, пусть об этом заботится будущий владелец. Ведь это уже его проблема. Знаменитая акула в формалине Дэмиена Херста протухла - это не проблема Херста, он свои миллионы получил. Зато какой простор для фантазии концептуалиста! Можно ваять без конца, что угодно и чем угодно, не задумывыаясь о последствиях! АКРИЛ И ОРГАЛИТ ХХ век предоставил художникам массу новых материалов позволяющих избежать наиболее существенных недостатков холста и масла и в то же время недорогих. Это различные твердые материалы, применяемые в строительстве, некоторые из которых могут использоваться в качестве основы для живописи, и синтетические краски на основе натуральных пигментов, но с синтетическим связующим, лишенным недостатков масла. Это, например, оргалит (в простречии, ДВП) и акрил. Акриловая краска - синтетическая краска на основе акриловой кислоты. Акриловые краски отличаются высокой светоносностью, водо- и термоустойчивостью, плотным сцеплением с поверхностью. Акриловая краска состоит из трех основных компонентов: пигмента, связующего вещества и воды. Связующее вещество – синтетический материал, получивший название акриловой полимерной эмульсии. Обладая множеством преимуществ, а также рядом собственных достоинств, акриловые краски универсальны и удобны в обращении. Популярность акрила неуклонно росла со времени его появления на рынке около 70 лет назад. Происходило это, главным образом, благодаря ряду его серьезных преимуществ перед традиционными материалами. Акриловые краски быстро сохнут, обладают хорошей кроющей способностью и великолепной яркостью цвета — они не выгорают на солнце (как акварель) и не тускнеют со временем (как масло), после высыхания принимают форму упругого пластически стойкого покрытия. Высыхание акриловых красок происходит в результате испарения воды, при этом краска образует химически стабильную эластичную пленку, состоящую из пигмента и связующего вещества. В отличие от масляных красок, высохший акрил характеризуется большей прочностью (менее ломкий), краска не крошится, ее слой не образует трещин, поверхность не отслаивается. С течением времени акриловая краска не морщинится, она не восприимчива к воздействию нормальных перепадов температур и изменений условий влажности. Краски существуют уже более 70 лет, поэтому их светостойкость совершенно очевидна. Акрил высыхает довольно быстро. Более плотные слои высыхают медленнее — в пределах нескольких минут. Высохшую акриловую краску нельзя удалить водой, она едва поддается соскабливанию или зачистке наждачной бумагой. Помимо быстрого высыхания и водостойкости, акрил обладает хорошей адгезией. Это качество позволяет успешно использовать его в наружной росписи, краски не подвержены влиянию погодных условий и хорошо ложатся на большинство поверхностей. Акриловые краски прекрасно подходят для коллажа, так как могут использоваться как клей для бумаги или ткани. Фактурные акриловые пасты и моделирующие средства обладают сильными адгезивными свойствами и могут использоваться для создания рельефных поверхностей. Но эти преимущества акриловых красок в полной мере проявляются только на твердой основе. Если писать акрилом на холсте, мы получим те же самые проблемы, что и при живописи маслом. Именно поэтому я выбрал для живописи твердую основу - оргалит. Закрепленный в раме, хорошо прогрунтованный, он не меняет объем в звасимости от погодных условий, краска на нем не трескается, на нем не образуется вмятин и дырок, его очень легко транспортировать, не нужно никакой специальной упаковки. Единственный его недостаток - вес. Но это небольшая плата за все преимущества. |
|
© 2011 Москва. Авторский сайт художника и дизайнера Дмитрия Федорова. Живопись, графика, дизайн монет и медалей, графический 2D дизайн. При использовании материалов сайта, желательна ссылка на сайт. |
|
КОНТАКТЫ |